1、古罗马时代的静物画通常出现在壁画或马赛克中，很少作为独立的画作出现。与后来的静物画不同，它们并不追求情感的暗示或诗意的联想。无论是顺应当时的装饰性趋势还是自然主义风格，古罗马静物画的目标都在于通过线条和色彩的运用来实现逼真的错觉，这种方法与文艺复兴后期的绘画一脉相承。例如，这幅静物画中对玻璃瓶的表现，在后来的油画中没有被任何纯粹的错觉所超越。

2、在意大利文艺复兴时期的绘画中，静物画同肖像画一样，作为一种次要主题，谨慎而渐进地出现。威尼斯艺术家卡洛·克里韦利喜欢在画作中装饰花环和水果缀饰，正如在这幅《哀悼基督》中所展示的，这些元素与画作的主题没有内在的联系。克里韦利仅仅为了满足他对完美幻象的追求，而引入这些精心表现的素材和建筑装饰。而这些元素可以就内容而非目的被称为静物画。

3、卡拉瓦乔是首位构想这样作品的意大利艺术家，他以明亮的冷光和几乎让人联想到超写实主义倾向的精确度，呈现出每一个微小的细节。这是一个没有柔和氛围的世界，一个严酷且极度真实的世界。

4、卡拉瓦乔的方法被17世纪北意大利的静物画家所接受，其中巴蒂斯塔·贝特拉就是一个典型的代表。这些艺术家偏爱以乐器的独特形状作为三维研究的主题。因此，“音乐”静物画成为一个不断在每一种风格体系中重复出现的单独类别，最终几乎垄断了立体主义和超写实主义的静物画。

5、“虚空派”静物画，那些通过堆叠头骨、书籍、头盔、剑和骷髅等来提醒人们生命短暂的阴郁作品。在17世纪的佛兰德斯、荷兰和其他国家很流行，在宗教氛围浓厚的西班牙更为常见。就如安东尼奥·佩雷达，在佩雷达的作品《虚荣的寓言》中，繁多的细节充斥在画面布局中，仅因它们能增加死亡的联想。

6、扬·勃鲁盖尔是彼得·勃鲁盖尔之子，被称为“天鹅绒勃鲁盖尔”，是一位绘画技法大师。他经常与其他画家合作，其中包括他的朋友鲁本斯，用水果和花环装点他们的作品。在这里，西布莉女神的祭祀仪式以一个小巧的椭圆形像章呈现，四周环绕着半神、丘比特和丰收的果实与谷物作为祭品。观赏者的目光必须不断在不同的比例之间转换，结果几乎无法专注于细节的美与完美。由于缺乏统一的比例，以及焦点集中在画中画上，这幅画仅仅成为一个基于典型的巴洛克对比、动态和反动态的装饰物。

7、扬·勃鲁盖尔、弗朗斯·斯奈德斯（Frans Snyders）及其学生扬·费特，都表现出了典型的佛兰德斯式的热情，他们在静物画中塞入了各式各样的物品。正如同样来自佛兰德斯的鲁本斯喜爱丰腴且华丽的女性和服饰一样，他们喜欢丰盛且质感饱满的水果和食物。在费特的画作中，注意鸟的羽毛、葡萄皮的反光、毛皮的丰厚质感以及桃子上的绒毛。布料和建筑元素的使用增强了丰盛的效果。

8、克莱茨的《早餐桌》建立在食物的质感、闪亮的玻璃器皿、金属容器和柔软织物之间的对比上，所有这些都沉浸在一种丰富、温暖的色调之中。